格莱斯顿画廊（Gladstone Gallery）(纽约、布鲁塞尔)将再次回归巴塞尔艺术展香港展会，展位为1D02。作为国际领先的当代艺术画廊，近40年来，格莱斯顿画廊在全球保持着超群的国际视野和独特的前瞻性，致力为画廊代理的艺术家提供在职业生涯中不断成长的机会，并帮助他们获得更大视野的关注。在此次博览会期间，格莱斯顿画廊将在近60件作品中，呈现包括马修·巴尼、菲利普·帕雷诺、郑曦然、伊丽莎白·佩顿、瓦格希·穆图、凯斯·哈林、及罗伯特·梅普尔索普等重要艺术家的代表性作品和新作。
格莱斯顿画廊总监蔡秉桥（Paula Tsai）表示：“格莱斯顿画廊（Gladstone Gallery）多次参展巴塞尔艺术展香港展会，自创始至今，格莱斯顿画廊保持着超群的国际视野、独特的前瞻性与严肃的学术性，是众多重要艺术家创作的推动者。近年来，格莱斯顿画廊致力于为更多艺术家提供更为宽广的平台，创造东西方视野的联通，包括马修·巴尼（Matthew Barney）、伊丽莎白·佩顿（Elizabeth Peyton）等画廊代理艺术家也将在中国举办大型展览；格莱斯顿画廊代理艺术家郑曦然（Ian Cheng）、西普里安恩·盖拉德（Cyprien Gaillard）、罗斯玛丽·特洛柯尔（Rosemarie Trockel）、卡梅隆·詹米（Cameron Jamie）、Anicka Yi将参展即将开幕的第58届威尼斯双年展主题展——‘May You Live in Interesting Times（愿你生活在有趣的时代）‘。格莱斯顿画廊希望能够在香港这个重要的国际舞台中呈现画廊代理艺术家的创作全貌，为亚洲和全球的观众提供更为丰富的观赏与收藏体验。”
被誉为当今国际当代艺术界最为重要的艺术家之一，即将于今年九月在北京UCCA当代艺术中心举行个展的艺术家马修·巴尼（Matthew Barney）的摄影作品《CREMASTER 4: Field of the Ascending Faerie》将于展会期间呈现。这件作品包括两张相片，来自于艺术家史诗性的创作系列“悬丝”，而作为该系列重要组成部分，这件摄影作品与五件大型电影作品一同探索了创造的过程，也体现了该系列闭合、自洽的美学体系。画面中体现了剧中两组主要人物。三位精灵朝下看着Loughton Candidate，为其指引前进方向，也强调了贯穿《悬丝 4》整部电影的“上升”及“沉降”主题。而作为在材料及叙事语言层面与巴尼另一著名的创作、歌剧电影《重生之河》息息相关的作品，“水浇铸”系列雕塑的第十件雕塑《Water Cast 10》也将于展会中出现。电影《重生之河》基于Norman Mailer1983年的小说《Ancient Evenings》，讲述了以重生为主题的古埃及时期故事，这也激起了巴尼对于金属作为雕塑材料历史的强烈兴趣。作品的抽象形式看起来如同金属爆裂形成的结果，也像是水流运动的结果。与古典青铜雕塑的分段创作方法不同，水浇铸必须一气呵成，整体成型。某种层面上，这样具有圣物感的作品来自于一个完整的表演性创作行动。而该系列作品与《重生之河》在神话层面的连接，也构建了与巴尼长期创作的宏大转变及超越主题的联系。
马修·巴尼 Matthew Barney, Water Cast 10, 2015, 铸銅 Cast bronze; 137.2 x 111.8 x 147.3 cm.
马修·巴尼Matthew Barney, Cremaster 4: Field of the Ascending Faerie, 1994, 两张彩色照片、自润滑塑料框 2 C-prints in self-lubricating plastic frames; 上 Top image: 54 x 74.3 cm; 下 Bottom image: 64.1 x 54.3 cm.
即将于2019年第58届威尼斯双年展主题展亮相的艺术家郑曦然（Ian Cheng）此次将呈现《Bob Thangka》唐卡作品，这也代表了BOB（Bag of Beliefs）宇宙体系的整个世界。BOB是郑曦然全新人工智能生命体作品系列中的第一个生命体，其形式为一条不断变化的巨蟒。这一系列作品推动了郑曦然基于模拟科技发展的艺术实践，并聚焦于个体在面对突发状况及意外时的应激性行为，探索了期待及感知这两者之间的主观区别。《Bob Thangka》这件作品引用了传统藏传佛教的唐卡艺术形式，是呈平面展开的蓝图，记录了BOB的形态及设计方案。艺术家在这种独特的绘画形式中，反思了BOB人工生命体与精神性实践的紧密联系。
郑曦然 Ian Cheng, BOB Thangka, 2019, 数字喷绘、纸Digital pigment print on paper; 152.4 x 114.3 cm; 含边框 162.6 x 124.5 x 5.7 cm framed.
正在瑞士巴塞尔丁格利博物馆（Museum Tinguely）举行大型个展的法国艺术家西普里安恩·盖拉德（Cyprien Gaillard）以纷杂而丰富的创作著称，其作品常通过考察纪念碑、地景、遗迹及建筑等反思历史的意义，平行并置历史结构与生态环境及人类社会活动。他在2016年的作品《Untitled》中使用了美国俄亥俄州克利夫兰印第安人棒球队吉祥物“Chief Wahoo”的形象，并用丝网印刷技术将其印在以古典绘画风格绘制的遗迹风景画上，探索了发生在西方文明之内的错位、衰败、异国情调主义及殖民主义等主题。盖拉德的作品也将参加2019年第58届威尼斯双年展主题展。
西普里安恩·蓋拉德 Cyprien Gaillard, Untitled, 2016, 丝网印刷、现成油画 Screen print on oil on canvas; 40.5 x 54.5 cm; 含边框 41.9 x 55.2 x 3.2 cm framed.
同样将参展第58届威尼斯双年展主题展的艺术家罗斯玛丽·特洛柯尔（Rosemarie Trockel）在超过三十年的艺术生涯中批判性地探索了艺术的再现意义，并通过实践探索了意义的人为构成属性。她一直在反抗特定而易辨的“艺术家风格”，但其长期创作中可见显著的女性身份及女性主义，高等艺术与手工艺的分野等。艺术家常将创作材料从其原有语境中剥离，再通过其创造充满未知与幽默感的不同媒介作品。创作于2013年的平面作品《Midsummer》参考了二十世纪抽象绘画的形式构图传统，混合了羊毛及丙烯的创作材料则为抽象绘画添加了精细的表面肌理，鼓励观众以新角度解读抽象形式。
罗斯玛丽·特洛柯尔 Rosemarie Trockel, Midsummer, 2013, 綜合丙烯材料 Mixed acrylic material; 70 x 80 cm; 含边框 71.8 x 82.2 x 6 cm framed.
正在纽约所罗门·R·古根海姆美术馆（Solomon R. Guggenheim）举行大型展览的著名摄影艺术家罗伯特·梅普尔索普（Robert Mapplethorpe）被公认为是二十世纪最为重要的艺术家之一，而其对于展现人体的兴趣可以追溯至其1960年代末期时创作的拼贴创作中。在其最早的宝丽来作品中有一部分是与古典雕塑形象相似的裸体人像照片。而在其开始使用哈苏相机之后，他拍摄的裸体人像迅速变得更为修长而立体。他尝试用镜头捕捉的，是那些“完美”的身体。在以身体为主要呈现对象的作品《Alistair Butler》及《Clifton》中，艺术家镜头下以身体形成了独特的形式主义构图方式，强调了艺术家的古典化创作意识及雕塑性创作倾向。
罗伯特·梅普尔索普Robert Mapplethorpe, Alistair Butler （局部 detail), 1980, 银胶照片 Silver gelatin print; 50.8 x 40.6 cm; 含边框 61 x 58.4 x 3.2 cm framed.
正在格莱斯顿纽约画廊空间举行展览的法国艺术家菲利普·帕雷诺（Philippe Parreno）此次将呈现红色地毯装置作品《6.00 PM》。作品中心处有一个以矩形方块组成的大型画面结构，此结构带来一种视觉幻象：自然光从附近的一扇窗户外透入，在地面上留下了影子；然而，这件作品必须要在无窗的空间内展出，而“影子”也不会随时间变化而发生改变。《6.00 PM》将一个特定的时间固定在空间中，邀请观众去思考观看经验的时间性和物质性条件，强调了幻象的不寻常深邃特性。画廊还将呈现帕雷诺在1996年首次展出的“Happy Ending”系列水晶灯作品，作为独立的雕塑作品，《Happy Ending》的存在方式与某种超现实艺术姿态相近，探索了缺席、轶失等概念，也指向了一种室内的、与私人家庭生活有关的艺术体验。
菲利浦·帕雷诺 Philippe Parreno, 6.00 PM, 2000 – 2006, 地毯 Carpet; 尺寸可变 Dimensions variable.
出生于肯尼亚内罗毕的艺术家瓦格希·穆图（Wangechi Mutu）最为知名的作品系列是耸动而带有惊人画面的非洲未来主义拼贴作品。穆图创作中的开放式生态系统探索了性别、种族、战争、殖民主义、全球消费主义问题，以及黑人女性身体的异域风情化问题，旨在将这些神秘世界拓展为探索文化、心理及社会政治问题的场域。创作于2019年的架上作品《Even my old soul has an old soul…》将超现实、古怪以及诱惑性的元素以独特方式结合，意图将殖民话语遗留中的暴力暗涌、心理-性别紧张态势，以及非洲及美国族群的普遍潜意识一一呈现。
瓦格希·穆图 Wangechi Mutu, Even my old soul has an old soul…, 2019, 墨水、水彩、聚酯薄膜 Ink and watercolor on Mylar; 左 Left panel: 283 x 103.5 cm; 右 Right panel: 283.5 x 103.5 cm framed.
著名艺术家凯斯·哈林（Keith Haring）在生命晚期曾在绘画时频繁进行拼贴创作实验。纸上作品《D-DAY FOR KEITH》便来自这一特殊时期，揭示了艺术家探索新创作姿态时罕见的创作方法。艺术史学家Anderson-Spivy曾指出：“在意识到其生命即将结束时，哈林想要实验的长期迫切愿望变得更加强烈。”而创作于1986年的作品《Untitled》则是哈林职业生涯中极富代表性的成熟作品。日本墨的干练线条让画面中的动物变得生动，让人想起哈林更为大型的公共艺术项目。狗曾以多种不同形态出现在哈林的创作之中，或与其他图像共同组成简短而连贯的叙事。哈林去世前进行的实验性创作展现了他对不同创作媒介的不懈好奇心，也展现了他对性别、宗教、宗族不平等、经济、科技以及艾滋病等复杂主题的长期创作旨趣。
凯斯·哈林 Keith Haring, D-DAY FOR KEITH, 1988, 水粉顏料、墨水、拼貼、纸 Gouache, ink and paper collage on paper; 97.5 x 127.3 cm; 含边框 105.4 x 135.3 x 3.8 cm framed.
凯斯·哈林 Keith Haring, Untitled, 1986, 日本墨、纸 Sumi ink on paper; 32.4 x 40.3 cm.
在过去的三十年中，托马斯·赫赛豪恩（Thomas Hirschhorn）因极富批判性及社会关注性的创作美学而蜚声国际。在长期实践中，赫赛豪恩塑造了与异见状态紧密相连的公共话语，并提供别样的政治思考模式。作品《Pillar Fail》呈现了艺术家富有代表性意义的拼贴创作美学，持续探索了作为毁灭、创造、资本权力及霸权权力象征的遗迹意象。而在毁灭与创造关系中的张力不仅是政治性的，也反映了艺术家在世界中承担的角色。
托馬斯·赫賽豪恩 Thomas Hirschhorn, Pillar Fail, 2018, 纸板、拼貼、硬币、胶带、金属配件 Carboard, prints, coins, tape and metal fixtures; 240 x 160 cm.
生活于危地马拉的艺术家薇薇安·苏特（Vivian Suter）的多件作品将于展会期间呈现。苏特将其大型浸入式抽象绘画视作对其身处的危地马拉热带雨林的反应。在过去的三十年中，她在由热带雨林气候浸润过的画布上创作色彩鲜艳的抽象绘画作品——季风、风暴、赤道日照、当地的动植物都在这些画布上留下了直接而独特的印记。苏特曾将自己的创作方法解释为一种深邃的感官经验：“我让自己的意识在绘画的时刻中弥漫，让感官对画布施加影响。我用雨水调和颜料，也在画布上添加土壤。”她的创作强调了生命的循环发展规律，也强调了作品的有机物质属性。而其所坚持的展示方式也与作品创作环境的生态系统相呼应：尽管每幅作品都是独立的，但这些紧密相连展示的作品整体形成了一种新的艺术生态系统。
艺术家罗伊·埃斯里奇（Roe Ethridge）的摄影作品往往以真实存在的事物去暗示或扰乱仅存在于理念中的事物。通过并置时尚商业大片中的模特、产品、广告以及个人化图像，埃斯里奇挖掘了普遍与个人领域之间的界限，创造看起来既熟悉又陌生、既怀旧又当代的作品，并以幽默或讽刺的姿态重塑社会的固有界限。2018年的作品《Lip Stickers》代表了其对于摄影机制的持续探索过程：摄影能够潜入个人领域，又能在同时延展自身，与集体经验相交流。埃斯里奇在这幅作品中对数码图像与胶片图像的同时使用，扰乱了图像原本语境的意义，将画面置于对艺术史及当代流行文化的讨论中，他通过这种方式重新定义了手机拍照时代，批判了图像的泛滥，并模糊了业余艺术与观念艺术的分野。
罗伊·埃斯里奇 Roe Ethridge, Lip Stickers, 2018, 染料昇华印刷、鋁板 Dye sublimation print on aluminum; 152.4 x 101.6 cm; 含边框 156 x 105 x 4 cm framed.
格鲁吉亚艺术家安德罗·维库亚（Andro Wekua）擅长在记忆与幻想及历史的界限之间创作碎片化的叙事、残缺的物件及神秘的元-文学形象，而与其个人经历相关的众多形象则在自传式语境及宏大历史语境之间游离。基于其创作的核心媒介——拼贴，维库亚发展出一个独特的创作主题：灵感来自于圣像的人物形象。创作此类作品时，艺术家在铝板上不断绘制、进行拼贴工作、增减创作材料，以建构新的形象及构图，并通过掩盖、重塑或完全抹去画面上最初的形象，以创造不同的意义。作品《Untitled (Ledersofa)》孤独而让人悚然，带领观众进入一种忧愁情绪之中，并激发观者对于维库亚视觉世界的根本性语言——历史、回忆及幻想的交错点的思考。
安德罗·维庫亚 Andro Wekua, Untitled (Ledersofa), 2018, 油画顏料、丝网印刷油墨、板 Oil and silkscreen ink on panel; 含邊框 87 x 127 x 2.9 cm framed.
德国艺术家帕洛玛·瓦尔加·薇兹（Paloma Varga Weisz）通过其雕塑及纸上作品创造了与民俗传说、宗教、当代大众文化及艺术史密不可分的艺术作品。她的作品既有成熟智性，又保有童趣；既与个人生活有关，又与集体记忆有关，不仅探索了日常熟悉事件的本质，又带领观众前往未知之地。在尝试“捕捉脑海中一闪而过的画面”时，艺术家通常集中注意力将图像从头脑中传导至手上，再将图像从水彩传导至木材上，以此创作自由而如梦一般的画作，创作于2018年的作品水彩作品《Lady in Black I》便是这样创作的典型。而与其他作品相似，《coneman, burnt》也带有一种中世纪美感，简约的人物形象因为肌肤上的纹路呈现而被赋予某种动物性的质感，将传统与当代的纷杂特性融为一体。
帕洛玛·瓦尔加·薇茲 Paloma Varga Weisz, coneman, burnt, 2018, 椴木 Limewood; 87 x 31 x 30 cm.